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Entrevista a Shame: "Encontramos en la presión una experiencia de lo más liberadora"

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Shame (2023)

Charlie Steen y compañía no tenían ni tan siquiera la edad legal requerida para beber cuando pergeñaron su primer ensayo como banda. Tres álbumes después (y un mayúsculo pateo de salas y escenarios por todo el globo), Shame son considerados uno de los actos más prometedores y relevantes de la escena sumergida londinense, siempre comprometidos y vinculados a diferentes proyectos artísticos de corte underground que el panorama más artsy de la capital articula.

Años después de su firme debut, y luego de haber surcado con estilo propio la cresta de esa ola de post-punk británico emergente, el quinteto firma Food For Worms (Dead Oceans, 2023), su tercer larga duración y un bombazo genuino cargado de crítica azuzadora y melodías infecciosas que claman optimismo y valor por lo vivido. A diferencia de su segundo trabajo formal, donde la temática del mismo giró alrededor de una espiral de reflexión y ensimismamiento personal agudo, los chicos de Shame han decidido ahora apostar por una generosa apertura de miras que integre en su lírica aquellos elementos que pivotan en su entorno, convirtiendo ahora en mucho más colectivas sus particulares conclusiones. Sobre la publicación de Food For Worms y su consiguiente presentación en España que tendrá lugar los días 19 y 20 de marzo en Madrid y Barcelona respectivamente, ha querido charlar con nosotros Josh Finerty, bajista de la formación.

Entrevista a Shame

 

He leído sobre uno de vuestros conciertos más locos: el que disteis el pasado año en un barco en las aguas del Támesis. ¿Cómo fue presentar las canciones nuevas en un contexto como aquel?

Oh, sí, aquello fue una auténtica locura, ya lo puedes decir. No sé, siempre nos gusta hacer cosas originales que se salgan un poco de lo común, ya sabes. En cierto modo, fue nuestra manera personal de volver a nuestros orígenes, pues cuando sacamos nuestro primer álbum llegamos a tocar tres conciertos dentro de un autobús durante una misma noche. Nuestra idea original en esta ocasión era haber tocado en un barco que estuviera en movimiento y nos trasladase por todo Londres, en plan crucero. Sin embargo, por seguridad no nos dejaron llevarlo a cabo de ese modo, y tuvimos que tocar amarrados al muelle. Aún así, fue increíble. Creo que metimos como a setenta personas en un barco realmente pequeño, así que te puedes imaginar lo apretados que estábamos; pero con todo, la experiencia fue muy buena, la gente parecía estar de lo más receptiva a las nuevas canciones, incluso a aquellas que aún no se sabían.

 

En España os tocará conformaros con un contexto más convencional, me temo. Me consta que no va a ser vuestra primera vez. ¿Cómo soléis vivir vuestro paso por aquí?

Bueno, es genial poder volver a España, porque realmente, exceptuando Madrid y Barcelona, no hemos podido conocer mucho más el país. En Alemania o Francia, por el contrario, sí que hemos tocado mucho y ello nos ha permitido descubrir lugares alucinantes en esos países. Así que esperamos que ésta sea nuestra oportunidad para hacer lo mismo en España. No te voy a engañar, estamos entusiasmados con volver por allí por el clima y la comida [risas]. Pero también está presente ese misterio de no saber qué nos deparará la gira, por eso estamos del todo excitados ante lo que viviremos allí.

La excusa para teneros aquí es, por supuesto, el lanzamiento de ‘Food For Worms’, vuestro tercer álbum. Sobre él habéis dicho que se trata del Lamborghini de vuestra discografía.

Oh, esa frase es definitivamente 100% cosa de Charlie…

¿Crees que se quiso pegar el moco o de verdad tenéis la sensación de haber alcanzado vuestro particular peak artístico?

Bueno, supongo que lo diría de cachondeo. Si se trata de describir o comparar el álbum en términos automovilísticos, creo que yo utilizaría el Ford Fiesta [risas].

Vaya, ¿y eso?

No sé, es un disco que transmite comodidad, una colección de canciones con la que puedes sentirte seguro y confiado. Prácticamente, recuerdo que vinieron todos los temas seguidos a nuestra cabeza y los escribimos y compusimos en un tiempo récord. Fue un proceso de grabación muy distinto al que llevamos a cabo durante nuestro segundo álbum, por ejemplo, el cual coincidió con la pandemia. Con este álbum volvimos a estar todos juntos en el estudio, combinando nuestras aportaciones cara a cara, a diferencia de cómo tuvimos que trabajar de manera remota para el anterior disco. Tal vez por eso se podría decir que hemos recuperado la energía y la fuerza del primer álbum, pero en cuanto a tu pregunta, no me gustaría considerar que éste es nuestro peak artístico, en tanto en cuanto no me gusta comparar un álbum con otro, ¿entiendes? Me gusta ver cada trabajo de forma aislada y única, pues a fin de cuentas es lo que son, trabajos distintos.

Creo que el contexto en el que nace ‘Food For Worms’ es también bastante curioso. Fue fruto de un reto que os planteó vuestro mánager para intentar sanar vuestro bloqueo creativo, ¿si no me equivoco?

Algo así, sí. Todo venía de ese año tan insulso que fue 2021, en el que después de haber estado varios años girando sin parar de repente todos nuestros shows se cancelaron y dejamos de tener expectativas de futuro. Por supuesto, teníamos todo el tiempo del mundo para escribir y dar forma a nuevas canciones, pero sin la perspectiva de creer que podríamos tocarlas en directo llegado el momento, todo se volvió de lo más frustrante y fútil. Nos venían a la cabeza ideas, y no eran malas, pero no teníamos la motivación necesaria para terminarlas. En cambio, cuando comenzó 2022 y vimos que todo volvía poco a poco a la normalidad supimos que debíamos hacer algo.

¿Y ahí vino la propuesta de vuestro management?

Exacto. Se nos planteó el reto de elaborar canciones íntegramente para un set en directo, no pensando tanto en cómo sonarían en estudio, sino para tocarlas en un concierto, y ver qué salía de ese experimento. El resultado me recordó un poco a cómo solían trabajar los guionistas de South Park, ¿sabes? Ellos escribían el capítulo a principios de semana que posteriormente iba a emitirse a finales de la misma, y de hecho confesaron que no podrían haber llevado a término lo que hicieron si no hubiera sido por esa presión. Para nosotros fue algo parecido, esa presión de tener que elaborar un set de canciones nuevas para un concierto específico en tiempo récord fue lo que nos dio la oportunidad de desbloquearnos y lanzarnos a crear cosas sin pararnos a pensar en qué arreglos eran los más adecuados o qué sección debíamos quitar y poner aquí o allá. Simplemente nos preocupamos de hacer canciones que sonaran lo más aceptables posibles para el público, y aunque el resultado final de éstas no fuera inamovible, conseguimos llevar a término un trabajo con el que llevábamos meses bloqueadísimos. Siete de estas canciones, de hecho, formaron parte del álbum que ahora presentamos. Así que en cierto modo, encontramos en la presión una experiencia de lo más liberadora.

Sobre la superación de los bloqueos creativos, siempre me sucede la misma duda. ¿Creéis que los artistas deben de enfrentarse a ese tipo de retos y presiones para generar un producto nuevo, en lugar de esperar a que la inspiración les venga del cielo o es contraproducente forzar?

Es una pregunta de lo más interesante, y también bastante complicada. No creo que haya una respuesta definitiva y única a esa cuestión, ya que cada persona es diferente. Obviamente, poner demasiada presión sobre ti mismo nunca es bueno, pero aunque esto no suene de lo más políticamente correcto, debo decir que la presión tampoco es mala del todo. Es algo que te mantiene alerta y te fuerza a hacer cosas. Sin embargo, es importante encontrar el equilibrio. En ocasiones me he dado cuenta de que soy una persona demasiado crítica con mi trabajo, y ese nivel de exigencia puede llevarte a la desmotivación y a no querer seguir intentándolo, lo cual termina siendo contraproducente de todo punto.

Sobre inspiración, creo que tenéis muchas cuentas que rendir en lo que respecta al videoclip de ‘Six-Pack’. ¿Qué pasó ahí?

Creo que el videoclip de ‘Six-Pack’ responde exactamente a nuestras expectativas sobre cómo nos imaginábamos que éste iba a ser. De siempre he sido gran fan de los videojuegos retro y de algún modo, siempre había querido que uno de nuestros videoclips luciera de este estilo, ya sabes, recordando un poco a ese mítico videoclip de Californication de los Red Hot Chili Peppers. Pero vaya, tampoco podemos decir que la responsabilidad del resultado final sea nuestra, pues nosotros le llevamos la canción a Gilbert y Cyrus, los chicos de Dragline Pictures, y la convirtieron en esa obra de arte loquísima. No tuvimos, realmente, un gran papel de decisión en lo que a la animación respecta y nos parece bien que fuera así.

Sin perder el humor, pero a mí ‘Six-Pack’ me transmite una muy agridulce reflexión sobre esas crisis de mediana edad mal llevadas. Sumado también al hecho de que el álbum se llama como se llama, ¿os ha empezado a preocupar el tema de envejecer?

Bueno, no soy el responsable directo de ponerle nombre a las cosas que creamos ni de escribir las letras, pero creo que todos esos detalles que enumeras son un claro reflejo de que hemos llegado a la mitad de nuestros veintes y estamos empezando a ser más conscientes que nunca de nuestro presente. Con el COVID, además, venimos de pasar muchos años con la muerte como tema candente y recurrente en nuestro día a día. Todos hemos perdido a gente cercana o conocemos a alguien que lo ha hecho, así que se podría decir que sí, detrás de nuestras canciones se esconde irremediablemente una reflexión sobre la vida y la muerte.

Por otro lado, planteáis otra muy interesante reflexión de la mano de ‘Fingers of Steel’, nuevamente con un videoclip que lo dice todo.

Creo que con ese videoclip pretendíamos ser más graciosos que otra cosa, realmente. Nos encantaba la idea de imaginarnos una suerte de sótano reconvertido en fábrica de likes, donde un individuo trabajase a destajo y sin descanso dándole “me gusta” a todo bajo las órdenes de un tirano. No es el mismo personaje, pero es muy similar al que ya planteamos en otro de nuestros vídeos, el de ‘Gold Hole’, donde esa especie de dictador nos metía caña sobre cómo debíamos tocar. No sé, creo que preferíamos ir por el lado de la guasa más que por el de la crítica, ya que pienso que sobre las redes sociales o cómo éstas afectan nuestro día a día, ya está todo dicho.

Me gustaría que acabáramos hablando un poco de unos acontecimientos sufridos en Londres recientemente. Siempre habéis estado muy comprometidos con la escena artística de Londres y concretamente os une un vínculo muy fuerte con el barrio de Brixton. ¿Cómo vivisteis los recientes incidentes que acabaron con la vida de varias personas y con el posterior cierre de un lugar tan emblemático como es el O2 Brixton Academy?

La verdad es que es un tema delicado, de hecho todavía sigue en el aire qué va terminar pasando con esa sala de conciertos, lo cual es bastante triste. Es algo que podría haber sucedido en cualquier parte, realmente lo triste de todo esto es que la cosa se fuera tanto de las manos que llegase a costarle la vida a una serie de personas. Es simplemente horrible. Y lo peor de todo es que aún falta mucha información respecto a la organización y mucha gente continúa confundida sobre cómo y por qué sucedió todo aquello. Egoístamente, celebramos que los conciertos programados para estos meses allí, entre ellos el nuestro, hayan podido ser reubicados a otras salas, pero es realmente triste que la cosa se quede así.

Realmente, sí.

Para mí es difícil valorar lo sucedido en términos desde la experiencia, pues no estuve allí y tampoco es que fuera un tipo de concierto de los que habitualmente damos o a los que asisto. Fue más bien un evento de magnitudes grandes, un show muy comercial, pero tal vez y precisamente por ello se debió de haber invertido más en seguridad o en una organización mejor. Me encantaría poder darte una respuesta sobre qué cosas se podrían hacer para mejorar y evitar que este tipo de situaciones ocurran, pero me temo que se escapa a mi control.

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